《如果有一天我将会离开你》更像一部日本动画,而不是一部日本电影。这不让人感到怪异吗?为何一部几乎全由中国演员出镜、发生在日本的电影,不像日本电影,也不像中国电影,反像日本动画呢?这或许能从导演个人在日本短暂的交流经历找到答案。像电影里的交换生李小李一样,导演在日本也只呆了一年,故而对日本的印象更多还是交流之前通过电影、摄影、书本、新闻等媒介获得的。我猜测,与日本电影对导演的影响相比,日本动画应该是更重要的影响源。这从整部电影人物形象、表演方式、分镜运用、台词编排、影像拍摄等等,都能明显感觉到这一点。这是一种更多出自主观的印象,而非实地调查产生的结果。无法判断好与坏,至少电影创造出一类与日本导演眼中不同的日本影像。
这样一个发生在日本的故事,角色几乎都由内地演员扮演,再搭配相当标准的港台制作班底,很难不让人觉得它所具有的台湾(新)电影的风格。尤其当它收敛起戏剧冲突和情感困惑的时候,影像开始一味滑入日常生活构筑的谐和美好之中。这或许正是木讷无知、尚未踏进社会的李小李看到的世界,一个二十出头的交换生所能感触和理解的日本,一切都是淡淡的。但平淡并非就是日本电影本真的特色,这部电影也远未达到如小津所说的“余味”。叙事确实做了对空白的简省,通过场景的蒙太奇式碰撞构建叙事的意义(另一处像台湾新电影的地方),但由于要塑造群像,平均分摊给每个角色一定戏份,而不是将重点放在几个关键人物的刻画上,让电影失去了往前推进的动力,人物的成长变成片面的假象。最终,李小李的离开没能带出任何情绪,其原因正在于此。
寡淡无味,是因为没能通过创造情境来延宕出能够让观众体验的余味。就像白开水一般流了一个多小时。倒是可惜了幕后的金牌制作班底,影像的各个方面仍然被精致雕琢,演员也与陌生的异土环境达成一定的协和(除了陈永忠扮演的角色,他好像除了毕赣的电影无法融入任何其他导演的电影),但始终缺乏让影像抬升起来的东西。这是致命的问题,考验的是导演的世界观和价值观,哪怕有一丝让人回味、思考的情节或台词,电影也不会像现在这般让人看完即忘。即使是带些说教色彩的话语,又何妨呢。电影绝不是为导演的个人经历留下一张纪念相片,它应该尝试与更多的观众沟通并达成共识,变成他们的回忆。
怎么说呢,看这部电影有种读自己日记的感觉。
倒不是说电影内容和我自己的经历相似,而是这种一路走一路思考,感受生活中细小微尘的记录方式,也是我惯用的。
可以想见导演是个心思多么细腻的人,几乎每一个镜头我都仿佛能听见,导演本人在经历这一刻时的碎碎念旁白。
因为交换留学来到日本,语言不通没有亲友,就连想找份兼职,都无从下手。现在很多在外打工的年轻人也和男主一样,总想往外走,多看多学,真的走到了外面,发现自己却始终在一个圈子里打转。
见面,认识,还没有机会了解呢,就到了要分别的时间。
笨拙地开启一份工作,手忙脚乱进入角色。读再多的书考出上榜的高分,这也是人生难逃的必经之路。社恐人群在职场上既害怕又渴望成为小透明,一点点小小的认同都足以激励自己做得更多更好,但是一点点小小的打击也都够自己反省纠结好久。
这一段俩人在后厨一起吃饭的镜头,旁边的鱼缸除了使画面更美之外,好像没什么其他作用,但我莫名很喜欢。
原生家庭是一个值得反复嚼的话题,导演本人试图共情,父亲生病期间想必也遭受了不少身心煎熬。但这里不得不说,来源于不同阶层原生家庭的人是无法做到完全互相理解的,所以青木这个角色既饱满又显得刻意了些,又脆弱又坚强的人,其实中间的灰色部分占据更多,性格并不会如电影中那么分明。当然,已经塑造得非常好了,演员本人也很加分。
邱邱也是一个很有意思的角色,不知道是不是因为演员邱天本身的气质,实在太有电影感,导演给了她不少特写镜头,霓虹灯光下,一张乖巧又乖张的脸,独身在外的女孩,感受过很多来源于陌生人的善意吧,但这其中有没有爱呢?还是自己不愿承认那不是爱呢?
后来得知,这段表演中,演员齐溪躺的病床床位,就是当年唯姐的原型生病住院时的床位,演员齐溪说到演绎这一段的感受,就是摒弃掉所有的技巧,纯用内心去感受角色当年的心情。异地他乡,人到中年,生活感情皆不顺利,身体犹如发出警告,但至于是拉下深渊,还是赠与新生,躺在这张病床上的此时此刻是无从得知的。回顾小半生,内心谈不上百感交集,大概只有用力过后余力不足的酸涩吧。
其实整部影片没有所谓的冲突与高潮,但是这一段我想应该是导演本人成长路上的一段高潮吧,从连话都不爱讲,戴着耳机自己手舞足蹈,不懂表达情感的这样一个人,到后来变成主动去街上叫卖,拉客,与身边这群人建立起难以磨灭的联系。每个人的人生其实都有这么一段蜕变的高光时刻,很多人走着走着已经忘了,很羡慕导演能够拍出来,也可以让自己往后人生的迷茫时刻,都能拿出来重塑自己。
这里对少年派的解读是我自己加的,可能看到最后一幕,我已经将我自己代入男主的角色,回想自己从前奔向下一段人生的节点,继而总结出这样一段感悟。
自说自话去猜测了导演的心思,我想导演这样细腻的人,对于自己的第一部作品一定会重视到翻遍网上的评论,如果有幸被导演本人看到这篇,希望我的解读并没有冒犯到你,如有说得不到位的地方,也请多包涵。
祝你一切顺利,从关注自身出发,去关注更多的人群,拍出更多优秀的作品。期待佳作。
很难想象,疫情已经迎来第三个年头了。新冠刚开始那会儿,即使封城禁足,我们好像也没真绝望过,总以为等举国清零就好了、等疫苗出来就好了、等病毒迭代就好了,甚至盼望着也许,等夏天天气热了就好了呢,像SARS一样,混乱一下结束,生活一夜如常。但是,疫情后第三个夏天都要来了,我们还在一次次抗疫的胜利中煎熬着。
写下这个开头,是因为几天前去看《如果有一天我将会离开你》首映,看到第一个画面,就有点恍惚:想起来,这可是疫情前拍摄的电影啊。不是因为故事发生在日本,那时候还能出国游玩工作;而是因为电影里的人和事,还停留在旧日日常的喜乐烦忧里,没有生活秩序的崩塌,没有价值观的决裂,只有日复一日的琐碎,和在琐碎中淬炼的暖意:日子虽然不尽如人意,但只要努力,明天总不会更糟糕吧。
时过境迁,恍若隔世。
电影的故事不太复杂,交换生李小李到日本一年,在学友邱邱的推荐下,来到渊野边的一家中华料理店南国亭打工,遇到了身居异乡性格各异的同乡。每个人都在坚持和放弃之间徘徊,有人考虑要不要结束一段说不清是搭伙度日还是相濡以沫的感情,有人考虑要不要把已然陌生的家人从故乡接来团圆,有人表白始终没有说出口,有人生离死别不期而来。导演讲述故事的节奏,沿袭了日式小品的克制,就像小鼓慢敲,也不知道哪一锤,突然就敲中了心尖、敲开了泪腺。
最值得夸的是,一部处女作被完成得很充分,后制班底让人放心,导演李亘演员选择也非常成功。齐溪扮演店长这种外刚内柔的角色特别稳当,她的坚强和脆弱都比观众预判来得早一步,你还在为她抹泪,她已经转头出发。邱天出演的邱邱能让人想起《小偷家族》里的松冈茉优,是那种闪闪发亮,有点自毁罪恶又生机勃勃的美,最意外的是扮演青木的牛超,很好的把握了登场油腻到落幕真诚的细微转变,很难想象这是他第一次银幕表演的经历,就更觉得松弛真是当演员的一种天分。
刻画几位中国同乡,生动有趣倒还在想象的范围内。我尤喜欢的是导演对两组日本家庭的白描。一个是混在中华料理店的日本店员欧巴桑,她的牛肉便当、小蝴蝶装饰、还有她和又爱又嫌弃母亲关于“镜中鬼”的对话,是观察细微才能呈现的日式幽默。而因病就医的老妪和她的老伴则是电影里的催泪担当,“以后只会是我一个人来了”、“她可真是个爱贪小便宜的人啊”这些质朴的台词,以及东京铁塔的小设定,落在日式的体面里,很难不让人破防。爱是很小的琐事,却是很难的修行。
三年前其实看到过这个剧本,当时没顾忌地提了些自己的建议,准确说是不客气的意见:电影里出场众多的人物都有着平凡动人的瞬间,唯独看不太到男主角李小李的存在,他人物的动力被忽略了,宛如过客匆匆地辗转在南国亭众人中。直到看完全片,这个疑问仍然保留,但好像也释然了,李小李原本就是那根穿珠子的棉线,朴素但坚韧,他被挤得密密的珠子完完全全地遮盖住了,但是你知道,是他的执念,串起了这些珠子,也或许,他把自己的困惑与选择均匀地留在了每个角色中。
首映出来,同看的同学与我闲聊,感叹影片的感动细碎绵密,但有些“被动”,是生活中细心但无序采撷的累积。大概是人到中年,我也不是太能反驳,年纪变得长,心变得硬,感动确实很难满足阅读、观影、对话的全部需求,甚至让人保持某种警惕。但必须坦诚,就算武装了点生活阅历的盔甲,自己看完这部电影,仍觉得像是淋了初春的雨,吹了山间的风,岚山雾气侵入盔甲、浸染发肤,是导演的诚意和角色的善意,让我松垮了意志:也不是每个创作都一定要披荆斩棘,温柔也可能是无敌的武器吧。
我看剧本的时候,还不合时宜地提过一个问题,这部讲述留学生的电影未来的观众会是谁呢?十来年前的故事是否已与时代格格不入,如今看来倒要一并检讨下,大概每个人都应该来看看这部电影,倒不是“异乡客”这个概念,只要有城市就会一直存在,而是时代正在悄无声息地掀起巨浪,疫情不过是个催化剂,我们都好像李小李一样,需要拼命汲取别人的一点能量,才能面对日常更大的无常。
只是,李小李是限定生,一年为期终将离开,而我们就像被困在疫情里一样,欲知归期未有期。好久不提笔还是决定写点什么,除了电影的上映,还有今天上海电影院全部停业的消息。比起这部电影长长的中文片名,我更喜欢电影的英文片名:Before next spring, 在下个春天到来之前,如果我们无法离开,大概也只能鼓足勇气把自己活得善良些、认真些,用平凡的努力,也活成别人的勇气。
国内青年电影人拍一部“接地气的日本电影”,似乎成了近两年的奇怪现象。在鹏飞的《又见奈良》之后,李亘的《如果有一天我将会离开你》又以实景拍摄、日语对白和相应的“影像感”还原了当下日本电影的形貌。
这部影片有特色鲜明的日式长标题,聚焦的是东京郊区“渊野边”的华人共同体,既是“自传体”电影,也是导演所谓的“视角人物电影”,这首先意味着浸入环境,悬置个人的判断,继而在一种自然流动中追寻一个看起来模糊的问题:日本到底意味着什么?
这个问题,不同的背景的作者有不同的答案,台湾电影人的作品,如《1905年的冬天》《一一》《千禧曼波》《咖啡时光》将其视为一种历史性纽带;香港电影人的作品,如《恋战冲绳》《不夜城》《非常舞者》《东京攻略》《头文字D》《新宿事件》,将之视为一个能提供杂交能量的类型背景;内地电影人的作品,如《上海人在东京》《吴清源》《唐探3》等,则是挥不去文化差异,导致日本的背景过重乃至刻意——换句话说,这不是“地道的日本电影”。
但最近的内地青年导演卸载了这一张力,将其还原为日本语境本身,不存在过度的异化,也不作为单纯的工具(背景板)使用,并且展开了自身问题的追索。也就是说抛开中日二元论,中国的问题也可以是日本的问题,反之亦然。
就此而言,鹏飞以纵向线索关联起散居各地的在日华人群体(即使使用的是寻找日本遗孤的显在视角),李亘则以交换生所在的“南国亭”华餐厅横向铺展该群体。南国亭是一个微小的、被密集日本社会分割的华人群体,而恰恰是这些微小的群体,通过一种看不见的线索汇集成庞大的在日华人群落。
2018年,在日华人的数量超过100万,接近日本总人口的1%,说华人是日本最大的少数民族也毫不为过,但这些人的生活似乎从未得到确切地表达——在欧美,这种生态并不严酷,因为华人教会可以提供最简单的庇护;然而在日本,华人的生活规模更小,更为原子化,当然也更孤独。
这一现实问题,让《如果有一天》这样一部影片处在了独特的位置,导演当年拒绝了走马观花,将自己沉浸在南国亭饭店,似乎也成了一种先见之明。华餐厅是典型的华人社会单位,没有外在屏障,面向的是本地顾客。片中几个主角所居住的公寓,似乎也没有屏障——上方式横贯的地铁线,墙壁薄到近乎毫无隐私,随时会被周围的邻居投诉。
这是典型的日式“密集资本主义”的环境速写,各种各样的横竖线条成为典型的视觉标志,这仅是外在。密集资本主义的一种典型的特征是,人们因过度拥挤而导致的相互隔离,却因为孤独而导致的彼此相吸,这是一种矛盾乃至死循环,这种死循环在店长管唯身上最明显:她永远是一幅云淡风轻的样子,但又极度厌倦自己未定的环境,她想要获得永居权,想要生一个孩子,因为她“想和自己真正的亲人生活在这个地方”。
但这些问题显然没那么容易,永居权极难获得,自己又患了子宫癌,愿望成为泡影,饭店的业务逐年衰微,人也越来越少。这就是日本密集资本主义的附带症状,即一种社会性、普遍性的神经衰弱。在这个小小的格局中,每个人都有自己的神经死结,管唯的自不必说,小师傅宋哥和她处在一种近乎相互施舍的恋爱关系之中,大师傅老万对家庭移民的事情摇摆不定,青木在日本父亲和中国母亲的夹缝中如丧家之犬,邱邱为生存而走上援交之路,唯一的日本佣工,也深陷养育母亲的重担以及子女不相往来的漩涡之中。
人们或许会说,电影如此编写剧情,是塞纳了过多的矛盾。但换个角度来说,这过多的矛盾不正是“密集资本主义”时代的神经衰弱症吗?幸运者们多相似,是因为万般困境都可以用金钱解决;不幸者们的各自不同,是现实中无以遮盖的癍疮,一人一个样。比如说影片的主角小李在最需要劳动力的情况下来到日本,也是这种“神经衰弱”造成的逃离行为,而这种衰弱只能用另一种神经衰弱(扎进饭店打工)来缓解。
日本就此成为中国的一面镜子,涌入日本,是国内涌入大城市浪潮的一种继续跃迁。这种生态无人称地加速运转,但人与人不过是日复一日被消耗的螺丝,每个人的身体、社会关系和神经系统处在一个上述正常但又濒临崩溃的临界值上,经不起任何风浪。
《如果有一天》将当地的日本人也纳入这种死循环的生态之中,与管唯熟悉的日本老夫妇,每次点的是最简朴的事物;而在打工的便利店,半日本血统的青木和日本血统的女工也只能吃着过期的食品。这似乎说明,身为一个日本人(或半个日本人)也未必快乐,相对于可撤离的华人来说,他们似乎都没有回撤之地。
由此,唯一能抗衡这种“密集资本主义症状”的,或许就是所谓的“生态资本主义”……生态是日本电影中的环境,它呈现为漂亮的空间与吸引人的景点,这似乎构成了对密集恐慌症的某种纾解。除了我们非常熟悉的日式建筑、环境和视觉风格之外,我们不难看到那些高频率的“生态要素”,比如池塘里的鲤鱼、路边的芦苇、远处姿态优雅的电线塔。
这种生态或者是“先污染后治理”的多年成果,但它们确实已经构成了生态的表象,也赋予人们抵抗密集资本主义的哲学。两位老太太分别阐述了这一哲学,一位是医院里的日本老奶奶,她声称在医院里能看到东京塔——但这实际上只是一个电线塔;另一位是张艾嘉扮演的黎莉莉,她指着河里唯一的锦鲤说,它不是孤单,而是显眼。
这起初很明显是一种阿Q式的生态哲学,但起到了奇用。日本人以此保留着微量的期望,构成了他们骨子里潜在的乐观平和,这从某种程度上超离了过度的悲愤和过度的乐观,可谓成为了真正意义上的生态。黎莉莉明确领会了这一生态,即注定分割的家庭,要首先过好自己;管唯也开始领会了这种生态,远方的电线塔仿佛过渡成为了东京塔。
中国导演或许比较容易理解第一重的“密集资本主义”及其延伸的脆弱神经症,但做到这一层,仅仅属于“像日本电影”;唯有理解第二层的“生态资本主义”,或许才能真正抵达“是日本电影”。
这里的“像日本电影”和“是日本电影”都不能做狭义的理解,因为它从本质上来说仍然是“中国电影”,因此“是日本电影”表达的仅仅是跨文化理解的程度或者某种深度。就目前而言,密集资本主义是中国当下的现在时,生态资本主义或许是将来时,但恰恰是这个隐秘的时间差,构成了两种不绝的视觉与质感。
就此而言,管唯意欲在日本永驻居留就不再是一个意识形态的问题,而是一种生态学的问题——日本电影的核心生态问题,体现在是枝裕和《无人知晓》家庭破碎之后在《小偷家族》里的无血缘重建,这是一种后密集资本主义时代的“创伤后性幸存者共同体”。于是,南国亭间或成为了“小偷家族”的替代之物,它构造了新的共同体,而管唯则是不能离开这个位置。
如此,生活的“死循环”也可以成为一种希冀性的轮回,对管唯而言,每一年都有小李这样的学生返国,每一年也都有新的打工仔入伙,南国亭就是如此履行着驿站的功能。如果说这是一种活络的循环,那么在小李身上呈现得特别明显:他从一个初来日本时羞涩迟钝的青年,变成了大大方方冲到街上揽客的成熟男人,街上的人熙来攘往,像波浪起伏,他高举着牌子,就像一根帆。
这是一种自况的表达,有着私人化的充沛情感,李亘对每个人(包括自我)的观察,都获得了一种潜移默化的交织和回馈。以此,他洞悉了密集资本主义背后的生态,因而也读懂了日本,进一步,他以同等的克制、忍让和真诚(哪怕包含着部分稚气)回馈了这一命题。《如果有一天我将会离开你》便在一种多重维度上生成为所谓的“日本电影”。
电影的另一重回馈,或许是齐溪与宋宁峰,两人在影片最后争吵分手,或许是现实的写照。他们的表演稳若磐石,赋予了本片足够坚实的立场,但更重要的是这部影片或许提供了一个检视二人关系的契机——于是在影片拍完,寓言也果然成真(这真的堪称神奇),该散的终将会散,就像《如果有一天》以生态性而言,绝非一个“为情感而情感”的闭环。
《如果有一天》在某种程度上实现了通向“日本电影”的最佳配置,这不仅是因为它寻找到一种真正的跨文化逻辑,也在于其内外的极度和谐。这种和谐,既在于导演本人有效克制了个人的感情外溢和诸类不稳定要素,也在于资源方面的物尽其用:一方面,以齐溪、宋宁峰、谢成泽、邱天、牛超等几个内地演员构成人物内在力场;另一方面,以文念中、姚宏易等港台顶尖幕后人员实现了最佳状态的在地影像还原。
这种内在与外在的双重逻辑,让影片成为最具“日本电影感”的中国电影。也恰恰是80后的导演们告诉我们,完成这一点并不困难。
【虹膜】
昨晚独自去看了电影. 没有打星, 是因为觉得拿捏不好对于一部处女作的衡量要求. 或许是3星出头?
坦白讲, 第一感受是交换生的这个「一年」限定太短了, 似乎确实除了日常也没什么可讲. 所以与其说导演用「观察」而非「个人成长」穿起剧情, 不如说初初来到个陌生城市, 沈底观察更像是本能的自我保护机制. 一些事来不及发生, 一些事因为这个时间限制也不会发生. 也因为太短, 男主本人的离开牵动不起任何情感上的涟漪.
对于周边人和环境细节的铺排描画, 很有种日本电影淡淡的意味. 加上几位演员真的演技出色, 非常松弛的日常, 是三星出头的出头之点. 但还是那个感觉, 一年这个时间限定太短了, 短到甚至都不能在情感上轻佻的判断, 这就是他们年复一年的生活… 如果写这个故事的是剧中的店长, 小赵或者张艾嘉 应该都会有更深层次的触动.
长期生活在同一个地方, 没有经历过这种「辗转」的人可能无法体会「离别」对于一座城市的意义.
我在自己曾经的文章里面写「很多时候 离开 才真正赋予了一个地方 宛如一段旋律最终小节的氤氲又独特的气质. 那是始终在那的人无法体会到的一种升华」
这是我看电影之前, 对这个「立意」的期许, 失望小小.. 但毕竟处女作, 期待导演未来更好的作品.
刚搬到新的城市时,我和丈夫喜欢拿着拍立得在街巷里走走停停,偷偷记录下某个人物的瞬间。有时候被那人吸引,甚至会常去蹲点,以期拍到一个精彩的“续集”。在陌生的环境里,目光变得警觉而好奇,想象力被异质的氛围激活,在脑海中为那些擦身而过的人填充好一个又一个故事。《如果有一天我将会离开你》是导演旅日回来后的作品,细节繁多,若有海外生活经验,便能轻易从这部虚构的作品中触摸到真实的情绪质地。你能感受到导演像整理拍立得相片那样,将自己曾看到的、经历过的碎片,耐心修补,稍作渲染,由点及面,最终连缀成一部完成度颇高的故事片。它带有强烈的私人回忆色彩,却又在某种程度上是旅日华人生活的一个侧影。
片中主角李小李是交换到日本的大学生,不是留学,不是工作,亦无结婚定居打算。和片中其他华人相比,一年期限十分暧昧,既没有长到足以和这座城市产生骨血相连的记忆,也没有短到如一场轻飘飘的旅行。因此他身为异乡人的落寞感是淡淡的,对东京这座城市的爱憎也是淡淡的,加之他身处东京偏远之所渊野边,因此他对东京的观察,自始至终都是一种由直觉引导的观察,微观而琐碎。
导演估计是日剧日影的忠实爱好者,色调、配乐和叙事都有明显的日剧风——细碎而平淡,微微丧气,却又最终走向温暖治愈,就连齐溪的短发造型,也和许多日剧女主角颇有几分相像。我很喜欢那些看似没有来由的闲笔,比如鲤鱼旗被风吹得几乎打了结,男孩在蓝天下扛着单车过天桥,打扮成水兵月的女孩“调戏”羞涩的服务生……它们均匀地分布在电影里,赋予了电影一种真实又浪漫的触感。
故事的轴心在一家叫“南国亭”的中华料理店,出场人物很多。除了主要角色李小李、邱邱、赵青木、管唯和张艾嘉扮演的老师,还有许许多多举重若轻的配角,比如大厨万师傅、宋哥以及餐馆里来来往往的食客。然而人物并不杂乱,亦不赘余,即使寥寥几个镜头,也能感受到创作者为每一个角色都创作了一篇丰富的人物小传,他们有粗有细,也有留白。我并不觉得导演主要目的是为了塑造渊野边的人物群像,他们更像是导演生命中的吉光片羽,是他私人记忆的拾取与串联。
电影中最富魅力的角色或许就是唯姐了,逞强的外衣下包裹着巨大的脆弱感。她来日本多年,四处打工以维持生计。她想拿到永居,却屡屡被拒,暗示男友宋哥想要结婚生子却得不到回应。更没想到年纪轻轻子宫出了问题,医生说恐怕不是良性,她拼命想要抓住一丝丝生育的可能,只为“和一个真正的亲人永远生活在这里”。男友反问:“难道我不是吗?”她沉默着不说话,那片沉默里装满了海外华人无法派遣的孤独。
到底要不要拼了性命去孕育一个孩子?没有孩子的一生是可以接受的吗?南国亭里的两位常客展示了命运的另一种分支。这是一对老夫妇,常常来店里用优惠券消费最便宜的拉面。老婆婆会先尝一口豆芽,若豆芽太老,便会提醒牙齿不好的老爷爷将豆芽挑出。他们没有孩子,因为老婆婆年轻时子宫长了肿瘤,为了治疗而丧失了生育能力。他们相互搀扶着消失在东京的人群中,小心翼翼又亲密无间,似乎和其他老夫妻没什么两样。
赵青木身上背负的则是有关身份认同的沉重议题。他是中国人与日本人结合生下的孩子,却生活在两种文化的夹缝之间。他自尊心极强,坚持说日语,坚持让别人唤他的日文名字,拼了命想要在这个国家找到立足之地,唯独面对暗恋的女孩邱邱时,他才愿意暴露出来自中国西南部的乡音。
李小李就穿梭在这些人和事中,他的形象越来越淡。他观望并试图介入那些人和事,产生了一些作用力,但最终还是如一缕风拂过水面,荡出一圈微波后又复归了原始的平静。
电影原本的名字叫《渊野边》,定档后改为《如果有一天我将会离开你》,乍看让人误以为是青春恋爱电影。直到影片后半段,才感受到这看似松散的结构,实际上始终都有一个主题贯穿,那就是离别。而影片呈现给我们的,恰是离别的各种形态。
老爷爷与老婆婆相濡以沫数十载,最后剩一人留在世上。离别是阴阳两隔,是料理店赠送的杏仁豆腐从两碗变成了一碗。先离开的那个人是幸运的,另一个要独自走过人生抛物线的最末端;
对于邱邱来说,需要送别的是过去的自己。她的人生已经驶上了一条无法掉头的道路,只能硬着头皮跑下去;
张艾嘉扮演的大学老师,一家三口分别身处三个国度。于她而言,离别是常态,是必须习惯的日常;
而赵青木的离别充满了讽刺与悲剧色彩,比任何人都更努力想要留在日本的他,却被遣送回国。他以自己最不愿承认的方式,离开了朋友和这座城市……
圣诞夜南国亭的员工聚会,成为了全片的总结。离别的惆怅,以及漂泊的海外华人的辛酸,都凝结在寥寥几句台词里。“这里的人越来越少了。”“你过两年要把家人接过来吗?”“以前有这个打算,现在不敢想了。”“他们不愿意来吗?他们应该愿意来吧。”
一年交换期转瞬即逝,李小李也终于要告别渊野边了。唯姐送他去机场的路上,像长辈般责怪道:“一年了一点长进都没有。”李小李在这一年内当然是有变化的,但并非所有的青春电影都要去扣“成长”这个主题。成长就意味着离别啊,意味着小鸟远走高飞。在这样的语境下,“没长进”反而变成了一种期冀:我希望一切都维持现状,一成不变,这样我们就不用经历分别,不用经历那些伤感。
从服装判断,李小李离开日本的时间应该是冬天,但电影却以春天时他在理发店外与老爷爷的寒暄做结。这种时间上的错位让人联想起雪莱的名句,给故事增添了一层浪漫的隐喻,弱化了现实的残酷色彩。离别并不意味着结束,漂泊的孤独灵魂终能迎来暖春。
“春天要来了,一闻就知道。”这的确是适合放映在春天的电影。
最大的優點是善良,散亂平淡的敘事令言外之意的表達無法被傳遞
人物很多,但并不杂乱,亦不赘余,即使寥寥几个镜头,也能感受到创作者为每一个角色都创作了一篇丰富的人物小传,他们有粗有细,也有留白。我并不觉得导演主要目的是为了塑造渊野边的人物群像,他们更像是导演生命中的吉光片羽,是他私人记忆的拾取与串联。电影很细碎,但挺有质感,一些看似与主题无关的片段反而格外动人。
这个主题越想越觉得难受,每个人都是一个个体,因为社会上的行为,大家慢慢聚在一起,然后走散,有人在原地,有人走到远方,甚至生命也是如此,可能留下来的人,反而带着一些悲凉,先走的人可能幸福一点。
一個如《陪安東尼度過漫長歲月》般的故事,卻沒有犯前者的錯,把矯情丟到一遍,言辭質樸、情感真摯地寫一首情詩,送給每一位平凡人。當第一次看到鯉魚出現時,理所當然的想,那是男孩成長的象征,然而,之後才發現象征的不止於此,如魚得水的小溫存,如魚失水的孤獨感,在那一個小小的南國亭裡,每一條魚都在各自逆流而上,卻又不得不面對離別。電影外,齊溪和宋寧峰離婚了,電影裡,兩個人的角色看起來還有破鏡重圓的可能,那也挺好。
#FEFF# 故事落脚于“离开”,它是故事的结束,却是人物的新开始。英文片名“ Before Next Spring”亦有此表达。btw:男主没有对任何女性动过情,只有在探监男二时表露过真情,这说明了一个什么道理?
去年北影节前,我和天坛奖的选片人去华策提前看到了这部《如果有一天我将会离开你》,看完后大家都很喜欢。影片初看下来平淡、安静、缺乏爆款应该有的跌宕,但影片气质的细腻、哀伤又让人很是心动,小津说“电影是以余味定输赢”——李亘这部处女作就是一部有余味、耐咀嚼的作品。它设置了林林总总的人物,但故事的完整拼图留给了观众自我缝合。如果起一个日式的名字,真得可以叫它《杏仁豆腐之味》,初尝没有味道,浇上甜水,便立马成为镇店美味。这又何尝不是电影的真实写照呢?我们观众自己埋藏心头里的那些回忆瞬间,就是这部日常抒情之作最好的佐料。值得推荐。
世界首映。我真香了,本来以为不好看,没想到结果还不错,打脸很严重。声音杜笃之、艺指文念中、摄影姚宏易、配乐花伦(《大象席地而坐》),这配置似乎成了近几年新人新片是否好看的风向标,当然本片也没有令人失望。影片聚焦留日学生、在日华侨和中日混血等日漂们的生活,每个人都有自己的难处,从不会日语的菜鸟,到自如交流的生活家,成长不在一瞬,而是在人与人的羁绊里逐渐生根发芽,整体感觉很像是鹏飞来拍《大象席地而坐》,锋利中带点温情,仔细一想,胡波的锋利+鹏飞的轻盈不就是是枝裕和嘛,尽管能看到许多前辈的影子,但却不是一味的照搬,而是融入了导演自己的见解,从而产生了新的化学反应,我很喜欢这部片子。
本届天坛奖最佳导演和最佳编剧的有力竞争者。以105分钟的时长,讲述了跨度长达一年的、七八位日本华人的故事。镜头和台词,充满生活气息。不煽情、不激烈,自有一股温和、厚重的力量和质感。演员们大多奉献了自己从业以来的最好表现,细腻、自然、生动。角色之间的情感连接,使他们贡献了让人相信、让人挂心的群像。齐溪罕见地降低了她本身的倔强感、刚硬感,以恰到好处的分寸饰演了“南国亭”的店长。张艾嘉饰演一位热情而备受学生冷淡的教师,她举着橙色遮阳伞、戴着优雅的帽子在桥上走过,给影片添加一抹非常美好的颜色。影片以极其自然的手法,关照了亲情、爱情、事业、死亡,不掩饰其中的残忍,也自带温情。导演李亘作为“星二代”,不显轻浮,以自己的经历为蓝本,真诚地拍摄了此片,十分难得。祝福这部电影能顺利抵达观众。
去年的这个时候是《又见奈良》,今年是这部;即使有争吵、表述分歧以及来源于现实世界的紊乱,却总有人深耕那些在日常中人与人间奇妙却又真诚的情感联系还有彼此的守望相助。在他乡先被冲散与隔绝的孤独,却又渐渐建立与找到的归属感,都静静地被揉进每个人的生活难题里。尽管有遗憾的地方是大部分角色的背景故事都是欲语还休,进程平淡,也陷入无解的凌乱中;但这样的故事依然如和煦的春风,抚过脸庞,提供另份难得的慰藉。即使最初的出发点是个人经历投射,但如若分给张艾嘉或者齐溪更多部分,形成像吴彦姝的主导作用,它或许会变得更充实丰满。
😓日本老太太脸谱化集大成者 啥背景这么大盘子拍vlog
#BJIFF2021主竞赛单元#日本华人题材,预期较低,所以感觉还不错,但是回想起来好像又说不出讲了个什么,不过整体呈现挺有日影感。几个人物其实最后也没能画出什么弧光,倒也真实,身在异乡的漂泊者们,不过迷茫地漂泊着。
真的好看,轻盈又灵动。讲述了各种状态的孤独,不论身在异乡,还是儿女双全,其实都是孤独的。邱天好美,但张姐更美啦。另外幕后阵容太强了,从音乐到画面都是高级质感,所以导演处女作能有这个水平也合理。我最喜欢的一幕是日本老太太对着镜子对女儿说有鬼,衰老带来的孤独感真是致命。
太真实了,当代青年的生活写照。能在孤独时刻陪伴着你的,往往是工作的伙伴、合租房子的室友、社交软件上结识的本地网友。当代人的羁绊形式也决定了亲情、友情、爱情是有时空局限性的,我们经常觉得,独自在外的游子们,就像一个临时组成的家庭,但这样的羁绊注定要经历别离。影片极其细腻地表现了这样的关系,灵动而清新,可爱而有趣。生活流的镜头充满着细节的呈现,无时不刻让人看到在外漂泊的自己的影子,剧情没有大起大伏,但优美的配乐加上清新的画面,已经足够温柔治愈。
他的悄静来临,像一条鱼——比水,还有生活,都要透明。原来,大家都曾生活在水底。
几段没头或没尾的人物关系线,正如孤独的人们在时空中离散的运动轨迹,有的只会往前不回头,有的会守在老地方等待,以似是而非的东京铁塔锚定某个虚幻又明确的方向,所有的相交与分离都难以计算。小李对青木,有某种含蓄微妙到难以察觉的情愫像彩虹鲤鱼旗一样在飘荡,两个人都怪好看且般配的。7/10
This is a sad but warm story. Suddenly being apart, it is just like there is always spring after winter.
吃过期食物,吃客人退掉的食物,用打折券吃最便宜的面和饭,可是已经很满足了。似乎永远在打工,在餐厅、超市、KTV、酒吧,打工能让人忘掉饥饿。除了轰隆隆的电车,这里与东京并没有什么关联。身处异乡也不过是想找个亲人一起活,在哪里不是活?如果找不到就人间蒸发,再也不让人记挂。
开始觉得有点散,散点透视一样的旅日华人漂泊群像,淡淡的苦涩,倒是有点日片味道了。花伦的配乐太好听了。第一次看牛超演电影,创的时候关注他来着,演得还可以。导演是北语日语系毕业的,大二去过渊野边做交换生,北电导演系研究生,然后居然是李雪健的儿子...
导演拍的是自己最熟悉的题材吧,身临其境的日本留学生活,有种像在看日影的感觉。最成功的是选了一群非流量的演员,普普通通能够让人relate。说真的流量明星就该去接广告上综艺,别来霍霍中国电影我看了会谢...
日本每年都生产100部这种新导演模仿是枝裕和模仿侯孝贤杨德昌电影的电影。