西区故事

liuminwei 的影视精品赏析课作业

难忘卡雷拉斯像小学生一样被训的场景

虽然是老掉牙了，毕竟还是经典。看看吧

《西区故事》可以说直接脱胎于莎士比亚的《罗密欧与朱丽叶》，但是如果它仅仅是忠于原著地，机械地翻拍，将其搬上银幕的话，这部片子也不过是无数《罗米欧与朱丽叶》翻拍版中的沧海一粟罢了。也就不会有它之后所创造的11座小金人的传奇了。
对于翻拍莎翁的经典，西区故事可以说做到了两个创新。一、首次以歌舞片的形式来诠释这部经典悲剧。这在影片的表现手法上是一大突破。而它在音乐上所取得的成就是毋庸置疑的。众多大大小小的影视音乐奖项证明了这一点，它更是一举囊括了当年奥斯卡的最佳音乐奖、最佳音效奖、最佳艺术指导奖。其中《Maria》和《Tonight》两首更是经典之中的经典，传唱一时。
其二，在我看来更为宝贵的是影片在思想深度上的挖掘，这远比其在艺术表现手法上的突破更为令我叹服。对比《西区故事》以及《罗密欧与朱丽叶》的故事创作背景我们不难发现，两者都处于社会的变革期，社会思潮激荡，人们对于社会问题的思考和关注得到空前的加强。莎士比亚创作《罗》时，即文艺复兴运动时期，这个时期欧洲封建社会逐渐解体，资本主义生产方式逐渐兴起，新兴的资本阶级开始向封建贵族挑战，这种挑战从现实生活领域一直延伸到意识形态领域。罗密欧与朱丽叶两人“离经叛道”的爱情挑战了封建制度下的家族利益，因而不被两大家族所允许，却得到了社会大多数的同情与支持。这在无形中宣扬了人文主义。反观60年代的美国，随着第三次以拉丁裔移民为主的移民潮的到来，美国的移民问题再次成为了社会矛盾的焦点之一。这群拉丁裔的移民受制于自己的文化水平以及独特的文化基因，难以顺利地融入到美国本土社会中，美利坚向来引以为豪的文化凝聚力受到了前所未有的挑战，从而招致了美国主流社会的不满以及政治政策的限制。而60年代正是美国人口增长，贫富差距进一步拉大的年代，本土美国人生活也日益艰辛。外来移民与本土人之间的矛盾日益激化，一触即发。这些生活在社会底层的弱势人群的生活状态引起了向来左倾的好莱坞电影人的关注。于是乎，好莱坞人再一次“铁肩担道义，妙笔著文章”。
影片一开始并没有急于开始讲述故事，而是给出了一段连续的航拍镜头，镜头中纽约城中林立的摩天大楼好似钢精混凝土制的原始丛林，仿佛是在向观众控诉。当代人类如兽类一般遵守着弱肉强食的丛林法则，似乎在暗示着这个城市的无情。同时也呼应着影片之后两大帮派因为争夺地盘以及各种矛盾而发生的大大小小的火拼厮杀。此外，在大工业生产之下，人性不再被关注，以往的人文关怀缺位，人如同草芥一般微小而不可见，满眼望去尽是大工业化的产物。
在影片所构造反映的这个残酷世界里并没有公正可言。原本该主持正义的国家暴力机关似乎总是缺位的，以警官为代表的国家机器总是在矛盾发生之后姗姗来迟抑或是对发生在眼前一触即发的冲突置若罔闻。这样的社会与丛里已经没有了分别，人回到了霍布斯所说的自然状态。于是乎实力成为了衡量是非的唯一标准，暴力成了解决问题最为行之有效的方法。正是在这样的情况之下，纽约街头的暴力犯罪及帮派文化才愈演愈烈。在男女主人公深情款款地唱出《tonight》之后，人们还沉浸在默默温情之中时，导演笔锋一转，画面中火箭帮的小混混们聚集在一起以嘲讽的口味讽刺那些以医生、律师为代表的中产阶级的伪善与道貌岸然，这些人口口声声宣称要关注弱势人群而从来没有实际行动，口惠而实不至。正是他们将这些生活在社会底层的人鄙视为社会癌细胞，万分地厌恶。影片以小混混的视角无情地揭露了这一事实，在嬉笑怒骂之中唱出世间无尽的人情冷暖。观众在会心一笑之余不由地感到一丝的辛酸与无奈。
鲨鱼帮与火箭帮的最终决斗选择在一座桥下进行。头顶大面积的红色钢精桥身渲染了影片危机四伏的紧张气氛，两个帮派的决斗一触即发，流血似乎不可避免。果不其然，两大帮派的头目因为男主角的原因先后丧命，血溅当场。一时间，众人手足无措。此时警报声大作，众小混混翻越铁丝网，钻入地下管道四散而去，就好像见了光的蟑螂、老鼠一般慌忙逃窜。影片运用视听语言形象而生动地再次提醒观众他们的社会阶层，提醒观众在他们眼里貌似美好光明实则残酷龌龊的社会之中，有一大群类似于他们的这些人在城市阴暗的角落里为了生存如同蝼蚁一般挣扎残喘。
同时，当人的正常社会需求在现实生活中无法得到满足时，人类会很自然的寻求宗教的慰籍。影片女主角的出场常常伴随着宗教元素。她显然是一名虔诚的天主教徒，在她的卧室里供奉着圣母，每当遇到困境与疑惑时她都会向圣母像祷告，寻求帮助。当阳光透过五彩斑斓的花窗射入她的卧室，洒在女主角的身上时，她仿佛是不食人间烟火的仙子，得到了神圣的庇护与祝福。在裁缝店中，男女主人公情到浓时不禁模拟起了他们的婚礼，此时上方的镶有十字架的天窗投射下了一道金黄的光束，笼罩在他两身上。一时间，他两的两情相悦仿佛得到了来自神的祝福，一切世间的纷扰离他们远去，两大帮派之间难以弥合的分歧亦无法将他们阻隔。
作为一部歌舞片，影片镜头的流畅感无疑十分的重要。在这一点上《西区故事》做的非常的成功。这一成功的取得不仅来源于影片编舞的功力深厚，将舞蹈的表现手法有机地融入到现实生活中来，将生活中的动作舞蹈化。例如一开始，火箭帮与鲨鱼帮从篮球场一直转移到街道的剑拔弩张的对峙，整个过程一气呵成，丝毫没有做作生硬，不自然之感。另外，流畅感还来自于成功的剪辑手法与巧妙的剪辑点设计，影片大量运用了相似动作的动接动剪辑，十分地顺利成章，在心理和生理（视觉）上没有给观众带来突兀感，这对于一部歌舞片来说既是其最低要求，也是评价一部歌舞片成功与否的最高标准之一。
最后要提的是，影片的视听语言显然有些落伍了，通过明显地模糊化处理配角而突出主角、用对比强烈的红蓝两大原色灯光（纯度很高的彩色光源来自于花窗，合情合理）来反映男女主人公内心的煎熬以及暗示他们的阴阳两隔……这些手段在时下的好莱坞大片中已经不在流行或者直接就被淘汰了，但是在该片中却显得淳朴而直接，符合那个年代美国的时代风貌，符合波多黎各的民族性格。总之是合情合理而独具“匠”心的。
《西区故事》总的来说是一部值得一看的经典之作。莎士比亚在《仲夏夜之梦》中说“最好的戏剧不过是人生的缩影”，而好的影片应当是一个时代的缩影，《西区故事》就是这样一部电影，在其中我看到了60年代的那个美国。

Golden Bridge 老师，这是我的作业，不要误会了~

这部《西区故事》荣膺最佳影片奖等10项奥斯卡奖，成为继《宾虚》之后又一部获得多数奖项的影片，开始的半个小时多次让我想看不下去，虽然开场一群男孩边跑边唱边跳，另一群男孩也边唱边跑过来，很欢快的感觉，十多分钟没有台词只有音乐，有些沉闷。但慢慢看下去，越来越好看。
首先这是我喜欢的类型，看似轻松的歌舞片，却是很有内涵，反映了很多社会问题的影片。从影片中可以看到多处剧情都暗示或直接揭示了美国五六十年代的现实社会问题，如种族歧视、黑帮、代沟、青少年犯罪等问题，这些社会现实问题用电影的方式，融合罗密欧与朱丽叶的经典莎翁剧的爱情元素将这些问题展现出来，这些探讨社会问题和社会意义的方面，我想也是它获得多项大奖的因素之一。这也是文化作品转化的教育和警示意义。
他们也不过都是青少年，矛盾的起因是波多黎各人来到美国，占了一块地，而美国本地的白人觉得被抢了地盘，强龙压不过地头蛇嘛，白人青年要给教训好好看看，两波都是年轻气盛，于是决定开战。其实他们并没有要真的动真格，他们在一定程度不那么能豁得出去，之前的解决方案是打篮球，后来提议扔石头群殴，而这样一直纠缠事情总是不会解决的，必须要一场真正能解决的争斗，输赢决定一切。所有人都期待着这一晚，都认为这一晚是具划时代意义的。可是结局并不如大家所期待的，事情变得越来越糟糕。仇恨增强，报仇情绪滋长。所有的一切都是因为仇恨，而这点仇恨并不是一个人的问题，是这个文化背景导致的，是这个社会潜意识引导的。
而那些想解决问题的人，看起来一片好心，比如警官，却方法不对，治标不治本，比如他们歌中唱到的律师法官医生，却一直没有行动，没有望头。他们在歌中唱的就是揭示了他们成为混混的原因，有外在也有自身原因。
街头两个帮派的对立，这让我想起香港古惑仔繁盛时代的电影中的古惑仔，相比之下，古惑仔更大胆，豁得出去，或许也是文化的不同，中国的各种帮派都以关二爷为尊，一切以义为先。出卖、背叛、谋杀是大忌，在这个圈子里也不会有任何容身之处了。

再之这部歌舞片也不同于之前看过的所有的歌舞片，可以看到歌舞片的不断发展和在奥斯卡中所占的地位，30年代的歌舞片《百老汇的旋律》还是比较简单，元素单一，之后《歌舞大王齐格飞》更加繁荣，舞台豪华有气派，50时代的《一个美国人在巴黎》和《金粉世界》从舞台走向普通生活，说着说着就唱起来跳起来，比较轻松随性，但主角范围也是艺术家和上流社会，而60年代的《西区故事》从舞台走向街头，走向贫民区，底层人民用歌舞来表达情感，反映底层人民的生活状况。这是慢慢发展变化的过程，更接地气了。这是看这几部歌舞片有的自己的感受。歌舞片本就是轻松的题材，但一旦元素增多，每个元素之间的分寸把握就比较难，觉得这部处理得不错，爱情、青年之间的问题、种族之间的问题，都能够引起关注。

另一个是电影中的爱情元素，是莎士比亚的罗密欧与朱丽叶的经典爱情故事为原本。放在帮派下，也是两大帮派矛盾激化的一个原因。这一爱情故事经久不衰，无论是这部黑帮歌舞片中，还是古惑仔港片中，还是现在商业化的影视剧中，总能看到这样的势不两立的两派中滋生出的意想不到的爱情，大多都以悲剧结场。其实有可能不是悲剧，但是总是有各种原因让彼此错过，一个为另一个而死，或是为了家族利益而放弃自我。无论怎样，这样的爱情还是会让人动容，让人遗憾，让人嘘噤。

西区故事 West Side Story (1961)—第34届奥斯卡最佳电影

       《西区故事》由莎士比亚名剧《罗密欧与朱丽叶》改编，将故事移到了纽约曼哈顿的西区贫民窟，是现代版的罗密欧与朱丽叶。出色的编剧、编舞、音乐歌词制作，使得整部电影的艺术表现形式达到了一个新的高度。伯恩斯坦将美国的爵士乐与欧洲的交响乐结合得天衣无缝。不是歌舞为剧情点缀，亦或是剧情为歌舞服务，电影中音乐、舞蹈、剧情浑然一体。通俗地说就是让人觉得很自然很舒服。除了歌舞，影片具有严肃的现实意义，反映了五六十年代美国社会的一些现实问题，包括种族歧视、青少年犯罪、帮派等等。所以十项奥斯卡奖不单单是因为影片的艺术表现手法，也颁给电影所传达的多重内涵主题。

不管别人怎么看，我对这部电影的评价就是三个字：超经典。看这部电影不在情节，主要在Berstein的作曲, Robbins的编舞，和Sondheim的歌词, 真是梦幻组合。而且每一个乐句，每一个举手抬足都独具一格。现代爵士乐的节奏与人物的动作和情感结合得天衣无缝，又往往出人意外。最典型的就是那首Cool，Jets成员被压抑的愤怒在一声声Pow!中爆发，随即又马上坠入如提线木偶般的舞蹈中。Tony和Maria初遇时那自我陶醉中的几下snap，America里Anita那几声挑衅的尖叫，都是和音乐完美结合的神来之笔。（其实我觉得剧中主线之外的东西更有意思。两个主角可爱单纯，但也因此比较苍白。还有女主角假装的波多黎各口音太夸张，有时有点搞笑，歌也不是自己唱的。相比下演Bernado和Anita的演员更有风采。）从优美煽情的Tonight, Somewhere, Maria, One Hand One Heart 到诙谐尖锐的Jet Song, Officer. Krupke，剧中有罗密欧朱丽叶般甜腻腻的爱，也有冰冷的现实及许多黑色幽默。这一切的掺杂，在剧中高潮部分Tonight的大合唱里有集中表现。就在Maria热切地唱着Tonight there will be no morning star的同时，Jets和Sharks叫喊着We'll stop 'em once and for all，在血红的夕阳下开始了生死搏斗。在这种混乱的张力中，爱情与现实互为讽刺，而最终胜出的是艺术。